Theatertipps: Theater Chemnitz

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TRISTAN UND ISOLDE

01.05.2022 | Da hat sich die Reise nach Chemnitz mehr als gelohnt. Die Inszenierung von Elisabeth Stöppler unter der musikalischen Leitung von Guillermo Garcia Calvo ist mehr als sehens- und hörenswert. Ihre Personenführung ist präzise und wird vom Ensemble glänzend umgesetzt.

Im Bühnenbild von Annika Haller und mit den Kostümen von Gesine Völlm wird ein Zeitsprung bis in die Gegenwart gezeigt.

Das Schiff zur Überfahrt nach Kornwall ist ein U-Boot. In der oberen Etage kontrolliert die Mannschaft Fahrt und Technik. Darunter befinden sich die Kabinen. Der junge Seemann sieht durch das Sichtrohr und berichtet, sehr schön und sicher mit dunkel gefärbtem Tenor, gestaltet von Thomas Kiechle. Über eine steile Treppe gelangt man zu den Kabinen, wo auch schon mal die Mannschaft vor der Tür bei den weiblichen Gästen rumlungert.

Besonders schwer hat es hier Kurwenal mit einem steifen Bein. Allein dafür muß man Oddur Jónsson Lob zollen; sein Standbein beim Spielen sollte er aber nicht mit dem 'kranken' belasten. Oddur Jónsson verfügt über einen schönen leichten Bariton; in einigen Passagen fehlt im die Kraft.

Die weiblichen Gäste wohnen in Kojen, die sich durch einen Vorhang schließen lassen. Isolde ist in Reisekleidung mit Hose, Weste und Mantel. Stéphanie Müther ist mit großem Sopran eine Idealbesetzung für die Titelrolle. Ihre große Stimme trägt und ihre Mittellage klingt betörend.

Mit Sophia Maeno als Brangäne gibt es eine perfekte Begleiterin. Ihre schöne Mezzo-Stimme ist kraftvoll und sie ist szenisch und musikalisch eine exzellente Ergänzung zu Isolde. Mit Rolli, langem Rock und Stiefeln ist sie Aufpasserin und wirkt mit Nickelbrille so als Gegenpol.

Für Daniel Kirch scheint die Rolle des Tristan musikalisch kein Problem zu sein. Sein strahlender Tenor ist dunkel gefärbt. Nie hat man das Gefühl, daß er sich mit seiner Stimme mit Blick auf die Fieberphantasien im 3.Akt schont. Er gestaltet seine Figur leicht und locker und spielt mit seinem Jojo aus der Kindheit; aber auch der Revolver ist für ihn Requisit und bestärkt seine Sehnsucht nach dem Tod. Den Todestrank wirft er weg und zeigt so offen seine bereits bestehende Liebe zu Isolde, die diese schon längst erwidert hat.

Der zweite Akt ist ein mit Polstermöbel großzügig gestalteter Salon bei König Marke. Große Fenstertüren lassen sich durch Verhänge verschließen, was beim Spiel genutzt wird. Die Gesellschaft bereitet sich auf die Jagd vor; das Hauspersonal sorgt für den entsprechenden Service, darf später die Sitzpolster wieder aufräumen. Till von Orlowsky ist Melot in schickem Reiterdress. Sein attraktives Aussehen kann er auch mit seiner großen Baritonstimme unterstützen, was auf Isolde aber keinen Eindruck macht.

König Marke verabschiedet sich zur Jagd von seiner Gemahlin mit Handkuss, was Isolde amüsiert zur Kenntnis nimmt. Der junge Alexander Kiechle als Marke ist ein Höhepunkt im 2.Akt. Seine jugendliche Erscheinung im blauen Blazer mit seiner immer schön und edel klingenden Bass-Stimme macht diese Figur spannend; die Maske versucht gar nicht, ihn alt erscheinen zu lassen. Da klagt kein alter Mann über sein Los, denn sein Problem scheint die Zuneigung zu Tristan zu sein, den er spontan kräftig auf den Mund küsst.

Das große Duett zwischen dem Titelpaar ist groß; auch musikalisch wird keine Stelle ausgelassen (was in anderen Aufführungen gerne gemacht wird) und beide singen phantastisch. In der Nacht der Liebe bleibt es im Salon hell, so daß Tristan und Isolde ihre Einstellung über Liebe und Tod klar ausspielen können; da wird diskutiert und keine Liebe praktiziert. Brangänes Ruf wirkt durch ihre optische Präsenz im Salon durch Sophia Moreno noch warnender und wunderbar klangvoll. Tristans Todessehnsucht betont er mit seinem Revolver; Isolde folgt ihm da nicht. So bleibt es nicht aus, daß Tristan sich durch einen Schuß ins Herz seine Verletzung selbst zufügt.

Der dritte Akt spielt in Tristans Kinderzimmer auf Kareol. Eine schwarze Fläche an der Rückwand läßt fürchterliches erahnen. Poster und Kinderspielzeug incl. dem Jojo und einem Holzschwert sind immer noch vorhanden. Nachdem Tristan aufwacht ist er alles andere als siech und krank, trotz blutiger Kleidung. Wie ein junger Kerl gleich einem Rap-Sänger durchlebt er seine Fieberphantasien. Die schwarze Fläche öffnet sich. Ein Bett mit den dort liegenden Isolde und Brangäne ist zu sehen. Ein Kinderwagen erinnert Tristan an seine früheste Zeit. Die Verletzung blutet und nach dem Todestrank stirbt er einsam auf dem Bett.

Die hinzukommenden Melot und der Steuermann (Jacob Scharfmann mit prägnantem Auftritt) werden von Kurwenal erschossen, bevor er selbst stirbt. Isolde, Brangäne und Marke finden einen Haufen mit Toten vor. Brangäne und König Marke verlassen den schrecklichen Ort. Der Hirt, Kammersänger Martin Petzold aus Leipzig singt und spielt das vorzüglich, schließt hinter sich die Tür ab, die in die Außenwelt führt. Isolde, allein mit den Toten, kommt nicht mehr aus dem Raum und wartet mit dem Liebestod auf ihre eigenes Ableben.

Die Robert-Schumann-Philharmonie unter der Leitung von Guillermo Garcia Calva erzeugt einen kammermusikalischen, betörenden Klang. Die großen Klangwolken können durch die kleine Orchesterbesetzung, z.B. bei den Streichern, nicht erzeugt werden. Das hatte aber den Vorteil, daß die Partitur differenziert klar hörbar wurde und die Sänger immer präsent klangen.

Das sachkundige Publikum zeigte sich begeistert und sparte nicht mit kräftigem Beifall. Alle Beteiligten nahmen den Jubel dankend entgegen.


AIDA

23.04.2022 | Nach der Corona Zwangspause mit großem Opernrepertoire startet die Oper Chemnitz mit Verdis Oper kräftig durch. Barbe & Doucet entwickelten Konzept, Dramaturgie, Bühne und Kostüme zu einem opulenten Rahmen mit einer speziellen Geschichte der Sklavin Aida.

Im Paris wartet man 1870 im Hause eines Ägyptologen darauf, fertige Kostüme und Dekorationen für die Uraufführung von Aida nach Kairo zu schaffen. Der Krieg verhindert das und so beschließt man, Verdis Werk in der Villa des Hausherrn aufzuführen.

Kostüme und Bild sind im 19.Jahrhundert angesiedelt, sehr bunt, dekorativ; mit der Handlung haben sie nicht immer was zu tun. Leider sind nicht alle Kostüme auf die speziellen Begebenheiten der Protagonisten zugeschnitten, was man von einer Premierenausstattung erwarten sollte, Entwurf hin - Entwurf her.

Problematisch wird es für die Regie, die in diesem opulenten Bild die Geschichte erzählen soll. Ersatzweise für den vorgesehenen Regisseur wurde der erfahrene Ingolf Huhn für die Inszenierung gewonnen. Die solistischen Szenen wirkten oft nur angestellt, da die Massen viel zu dem erdachten Hintergrund im Geschehen der Villa zeigen sollten. Lustige Szenen mit Kindern wechselte sich ab mit banalen Gängen, Tableau und Palmenwedeln. Die Ballett-Einlagen wirkten geschickt eingefügt; ein Lob an die Companie von Henrik Victorin.

Die ungenau 'geführten' Solisten versuchten, szenisch das beste draus zu machen und sangen phantastisch. Durch kurzfristige Krankheit der Kollegin sprang Tatiana Larina als Aida ein. Erstaunlich, wie schnell sie sich mit ihrem großen Sopran sicher und klangvoll in die Inszenierung einfügte. Ihr gebührt ein besonderes Lob.

Ihr zur Seite gab es eine Amneris, die Nadine Weissmann mit großer starker Stimme verkörpert. Selten ist es, daß diese Partie in allen Farben prächtig in Höhe und Tiefe aufblüht; bei dieser Amneris kann man es bewundern. Ein großes Lob an Nadine Weissmann.

Da hatte es Hector Sandoval als Radames fast schwer, sich gegen solch starker Partnerin zu behaupten. Seine immer sicher geführter Stimme lies aber seinen Tenor glanzvoll erstrahlen.

Aris Argiris ist Aidas Vater mit großem strahlenden Heldenbariton, der auch die kantablen Stellen eindrucksvoll berührend in der Szene mit seiner Tochter entwickelt. Auch hier ein großes Lob. Bei diesem exzellenten Sänger muß man Verdi fast böse sein, daß er für die Rolle des Amonasro nicht mehr komponiert hat.

Aber auch in anderen Rollen fallen Sänger mehr als angenehm auf. Allen voran David Steffen, der mit seiner großen, voll tönend schönen Bass-Stimme der Figur des Königs Profil gibt. Das hört man so selten - Lob!

Aufhorchen mußte man auch bei Marie Hänsel als Operpriesterin, die in der Tempelszene mit schönstem Mezzo-Sopran für Eindruck sorgte und somit das weitere Ensemble anführt.

Guillermo Garcia Calvo leitete die Robert-Schumann-Philharmonie umsichtig und übertönte mit dezentem Klang kaum Chor und Solisten.

Das Publikum zeigte sich begeistert und sparte auch in den Szenen nicht mit kräftigem Beifall, den vor allem die Sänger zu Recht strahlend entgegen nahmen.


DIE WALKÜRE

23.2.2020 |Das Theater Chemnitz hat alle vier Teile von Wagners "Der Ring des Nibelungen" im Repertoire. Die Premiere der "Walküre" war anno 2018; der erste Tag des Bühnenfestspiels wurde jetzt wiederaufgenommen. Die 'Besonderheit' aller vier Inszenierungen ist es, verschiedene Teams einzusetzen; dazu sollte das Werk aus 'weiblicher' Sicht gezeigt werden, also durch die Arbeit von Regisseurinnen.

Monique Wagemakers hat für die Inszenierung der 'Walküre' ein exzellentes Ausstattungsteam mit internationaler Erfahrung gewonnen; Claudia Weinhart erarbeitete für die Drehbühne ein wirkungsvolles und wunderbar bespielbares Bühnenbild und Erika Landertinger entwarf phantastisch realistische Kostüme. Die gemeinsame Arbeit war, eine phantasievolle Sicht des Geschehens in einem wunderschönen Raum zu zeigen, ohne sich durch eine realistische Erzählweise festzulegen.

Die Bühne besteht aus hölzernen Säulengängen, die durch Drehung immer neue beeindruckende Bilder schaffen. Ein schwarzer Portal-Gazevorhang öffnet sich je nach Bedarf ganz oder nur teilweise. Das ermöglicht auch eine geschickte optische Trennung der Handelnden.
Wenige feste Bühnenteile -wie ein kleiner Felsen, Bänke- ergänzen die Optik, um den Raum als Spielfläche zu nutzen.
Die Personenführung hält sich sehr genau an die Situationen und die präzise Darstellung der Handelnden ermöglicht eine spannende Erzählung. Da wurde für das Auge viel geboten.

Der Verzicht auf eine realistische Erzählweise bedeutete auch auf den Verzicht der vorgeschriebenen Requisiten wie Schwert und Speer; dazu hätten durchaus Becher und Teller zur Nahrungsaufnahme im 1.Akt wegfallen können.

Das Feuer auf dem Walküren-Felsen wurde mit dem Gaze-Vorhang gezeigt, der vom Portal zum Hintergrund als Dach hoch gezogen wurde und so einen neuen Blick auf den nur blau geleuchteten Raum bot.
Die hervorragende Lichtgestaltung von Mathias Klemm war auch hier wie in allen Szenen fester Bestandteil, um einen großen phantastischen Raum für das Geschehen zu zeigen.

Die Robert-Schumann-Philharmonie unter der Leitung von Guillermo Garcia Calvo folgte präzise dem Dirigat; die fast schon üblichen Patzer der Bläser waren schnell verziehen. Dafür wurde eine schöne Interpretation der Partitur erspielt, die dem Hörer scheinbar 'neue' Erfahrungen bot. Die Tempo-Gestaltung bot nicht nur einen grandiosen Klangraum, sondern gab auch den Sängern Gelegenheit, optimal ihre Rolle zu präsentieren.

Victor Antipenko als Siegmund lies mit seinem großen, sicher geführten schönen Tenor aufhorchen. Man hatte bei seinen lang anhaltenden Wälse-Rufen den Eindruck, daß der 1.Akt fünf Minuten länger dauern wird; aber wer kann, der darf und macht. Ihm zur Seite als Sieglinde war Nadja Stefanoff mit ihrem großen Sopran eine adäquate Partnerin, die sowohl in den tiefen Lagen aber auch bei den 'hehren Wundern' ihre Stimme strahlend erglühen lassen konnte.
Magnus Piontek mit großer schwarzer Stimme war als Gegenspieler ein idealer Hunding.

Der Eindruck zu Beginn des 2.Aktes mit Brünnhilde und Wotan war sensationell und blieb bis zum Ende der Aufführung erhalten. Mit Iordanka Derilova und Aris Argiris standen zwei Sänger auf der Bühne, die Tochter und Gott-Vater optimal verkörperten.
Iordanka Derilova hat einen sicher geführten Sopran mit grundierter Mittellage, für die auch die tiefen Stellen kein Problem waren. Die strahlende Höhe wird von ihr perfekt erreicht. Dazu kommt ihre genaue, sensible Darstellung, die ein Geschenk für jeden Partner auf der Bühne ist.

Aris Argiris bot mit seinem kultiviert geführten Bariton einen Wotan, bei dem man aus dem Staunen nicht heraus kam. Sowohl seine kräftigen Höhen, als auch die tiefen Lagen während seiner Erzählung im 2.Akt erklangen wunderschön. Die Walkürenszene, das Gespräch mit Brünnhilde und sein Abschied von ihr im 3.Akt wurden dank seines weich geführten Baritons zu einem Ereignis.

Monika Bohinec als Fricka komplettierte den starken Eindruck des 2.Aktes. Ihre große, eindrucksvolle Mezzo-Stimme unterstützte ihr genaues Spiel einer um ihre Ehre kämpfende Ehefrau im Streitgespräch mit Wotan.

Selten habe ich die acht Walküren so optimal besetzt erleben können. Von Gerhilde (Lena Kutzner) bis Schwertleite (Nora Steuerwald) erklangen acht große Stimmen und boten ein Klangereignis der Extraklasse. Dazu wurde eine lebhafte Personenführung geboten, die keine toten Helden benötigte und jede Statik vermied. Nach diesem grandiosen Auftritt kamen aber noch Brünnhilde und Wotan zu ihrer großen Szene.

Die Zuschauer im Chemnitzer Opernhaus zeigten sich zu Recht begeistert. Denn es hatte Gelegenheit, eine optisch beeindruckende Bühnen-Erzählung mit herausragenden Sängern und dem Chemnitzer Orchester zu bewundern.


GÖTTERDÄMMERUNG

26.1.2019 | In Chemnitz ist der komplette Ring des Nibelungen entstanden. Mit vier verschiedenen Teams für Regie und Ausstattung bot die Theaterleitung unterschiedliche Ansätze für die Aufführung. Guillermo Garcia Calvo sorgte mit der Robert-Schumann-Philharmonie für eine musikalische Klammer von Wagners Tetralogie mit drei Tagen und einem Vorabend.

Mit dem Aufführungs-Team der 'Götterdämmerung' hat die Chemnitzer Theaterleitung einen Coup gelandet. Elisabeth Stöppler war für die Inszenierung verantwortlich. Ihr zur Seite standen Annika Haller (Bühne) und Gesine Völlm (Kostüme). In der letzten Zeit habe ich nicht eine so interessante und optische reizvolle Aufführung erlebt.
Der Walkürenfelsen war ein Berg aus Eis; das Feuer ringsum konnte der Kälte kaum etwas entgegensetzen. Die Gibichungen wohnen in einem noblen holzgetäfelten Haus. Nur Oberfenster lassen Licht herein; ein großes Rolltor verschließt den Weg in die Außenwelt.
Erst im dritten Akt dreht sich das Haus und offenbart Details die grausamen Realität draußen. Für das Wasser des Rheins gab es nur noch schmierige Leitungen und Plastikbehälter, mit denen sich auch die Rheintöchter begnügen müssen. Walhall beherbergt die gefallenen Helden in düsteren Kammern; kein Grund für niemanden, dorthin zu gelangen.
Während die Gibichungen sich gepflegt und schick im Innern mit Eisbärenfell und gut sortierter Bar bewegen können, sind für Außen Wetterjacken und Felle angesagt. Der Gag, einmal über den Kopf des Eisbärenfells zu stolpern, konnte sich die Regisseurin nicht verkneifen.
Die Kluft der Walküren besteht aus Lederwams und -kappe.

Die Personenführung von Elisabeth Stöppler ist genau und animiert die Personen der Handlung zu spannendem Spiel. Siegfried wird süchtig nach seinem Vergessenstrank und muß ihn sich immer wieder einflössen. Das wird ihm zum Verhängnis, als Hagen ihn daran hindert, bei seiner Erinnerungserzählung davon zu nehmen. Das wird zu einer grandiosen Leistung von Daniel Kirch als Siegfried, der grundsätzlich sehr differenziert die Situationen durch sein Spiel erklärt.
Brünnhildes Wechsel von der Liebenden zur Rachegöttin wird durch das Spiel von Stéphanie Müther ebenso deutlich. Gutrune (Cornelila Ptassek) muß sich von ihr das Fehlverhalten Siegfrieds erklären lassen. Den toten Siegfried bereitet Brünnhilde auf den Weg zu den toten Helden Wallhalls mit einer Körperreinigung vor. Hierzu ist sie sich wieder zur Walküre geworden. NIcht mehr im Gewand einer Ehefrau, sondern in Lederkluft der Walküren beendet sie ihr Werk.
Es schneit pausenlos in ihrer großen Finalszene. Ausgestattet mit einem Benzinkanister resümiert sie das Geschehen. Doch verzichtet sie auf den Weltenbrand. Zusammen mit Frauen der Handlung gibt sie ein Zeichen, wer die Zukunft besser gestaltet; auch Gutrune und Brünnhildes Mutter gehören dazu.

Stéphanie Müther gestaltet auch musikalisch die Brünnhilde einfach großartig. Sie besitzt eine große Stimme, hat Glanz in der Höhe und eine satte Mittellage. Da hat man man nie Angst, das etwas fehlen könnte. Daniel Kirch ist ein jugendlicher Siegfried. Zu den strahlenden Tenorhöhen kommen auch bei ihm die baritonal gehaltenen Lagen.
Dazu kommt, das beide durch Gesang und Spiel optimal ihre Figuren gestalten. Was will man da noch mehr.

Das Publikum verabschiedete mit besonders starkem Applaus alle Mitwirkenden.


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